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Posted in Movies with tags , on 09/09/2016 by insermini

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Performance

Posted in Movies with tags , , , on 02/09/2016 by insermini

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Hysteria, 1965

Posted in Movies with tags , , , on 28/08/2016 by insermini

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IMDb

El everyman en el espacio

Posted in Movies with tags , , on 19/08/2016 by insermini

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James Doohan- Star Trek, 1979

La Playlist

Posted in Movies with tags , , on 27/07/2016 by insermini

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Los astros se alinean, las películas también. Es una impresión que tengo al observar las bonitas sincronías que se producen en mi playlist. Ya lo comenté la primera vez que dije lo de El cine te habla. (¡Por su puesto que te habla! ¡Sólo tienes que estar atento!) Cual personaje de Cosmos, la novela de Grombowicz, encuentro hilos, relaciones, ecos, entre las películas que veo y descubro con tremendo gozo que esa playlist de la que hablo es en realidad un magma que tiene vida propia, sensible a mis estados de ánimo y a los deseos de cada momento. Los requiebros y las desviaciones en la playlist son constantes, pero los dicto yo, porque a veces cuando voy a ver una película me doy cuenta de que echo en falta el factor sorpresa y entonces sólo puedo aceptar ver algo que no tenía para nada previsto. Así, aunque todo parece un caos, soy yo quien lo proyecta, y por lo tanto es orgánico y casi tiene vida propia. Mi relación con la PLAYLIST me da que pensar desde hace ya mucho tiempo. Es todo un poco Arrebato. Cinefilia es drogadicción. Ni más ni menos. Estoy a punto de ser engullido por la playlist. Ya no hay fotogramas en rojo, la películas tienen formato digital, pero yo estoy ahí también, al otro lado, haciéndome guiños a mí mismo como Pedro P. a Eusebio Poncela.

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Esta reflexión que no sé si se entiende es el preámbulo necesario para hablar de la última sincronía que se ha producido en la playlist. Yo no sé cómo elige la demás gente las películas que ve, pero para mí el método es muy similar al que sigo con la alimentación. Me gusta la variedad, me aburre comer siempre lo mismo y si llevo mucho tiempo sin comer una determinada cosa, es natural que mi organismo la reclame con gran frenesí. Y así, de repente tengo un antojo brutal de ver algo de determinado autor, género, época… Es verano y hace mucho calor así que últimamente veo cosas bastante pajeras. De repente noto que eso no puede ser, que aunque haga tanto calor y me guste el cine de terror ochentero, o las TV movies setenteras, necesito nutrientes de otro tipo. Entonces veo el cartel de Satansbraten (El asado de Satán) y me fliipa. Me transmite cosas indefinibles, mi estómago se contrae con violencia, me pide que le dé eso. Entonces pospongo De origen desconocido y me pongo chuto Satansbraten. Se trata de una película difícil de describir en unas pocas líneas que yo vi como una comedia bizarra sobre la vida cotidiana de un artista. Fassbinder se burla (con mucho cariño) de este poeta anarquista interpretado por Kurt Raab, de su “genio”, de su hipócrita relación con el dinero, de la peculiar unidad familiar en la que vive, con una esposa a la que no satisface sexualmente y que sólo se muestra interesada en conseguir dinero para pagar las cosas. Evidentemente la película tiene también un trasfondo político, que a mi se me escapa un poco y que me interesa menos. Dudo que los que no la hayáis visto os la podáis imaginar por lo que acabo de decir. El estilo y los referentes que maneja venían seguramente del teatro alemán rupturista que él practicó en su juventud. Siempre es liberador ver algo cuyos referentes desconoces, porque entonces la sensación es como de algo que te llega de otra dimensión. Para que me entendáis un poco mejor diré que Satansbraten es como un cruce entre el John Waters de Desperate Living, el Fassbinder de La ruleta china, y un mucho de La pareja basura.

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Animado por el éxito de esta elección y ansioso de ver algo que continuara en esa línea y así prolongar un poco más el corte de mangas a la tiránica playlist, por la noche, ese mismo día, vi otra película, y conste que no suelo ver dos películas en un mismo día. La elegida fue The Trouble with Harry. La elegí principalmente por su color. Satansbraten tenía también unos colores increíbles- Todas las pelis de Fassbinder de esa época los tienen. También porque hacía eones que no la veía y no tenía un gran recuerdo de ella. Es curioso. Hitchcock haciendo comedia. Casi tan raro como Fassbinder haciendo comedia.

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Los impresionantes planos ambientales que nos introducen en la historia, con ese Technicolor tan increíble, me convencieron de que, conectase más o menos con ella la vería hasta el final. Todos conocéis el argumento. En un pequeño y apartado pueblo aparece un cadáver en el bosque y temerosos de ser inculpados de alguna manera todos los personajes eluden la responsabilidad de denunciar el suceso y  juegan a esconder el cadáver. Como Fassbinder, Hitchcock contruye una comedia muy personal. Ninguna de las dos películas es realmente una comedia según las convenciones de la época. Viendo Satansbraten tardamos un rato en descubrir que Fassbinder estaba haciendo una comedia. Con The Trouble with Harry sucede algo parecido. Si no se hubiera vendido siempre como la comedia de Hitchcock, la película -situada entre To Catch a Thief y The Man who Knew Too Much– sería más bien una película rara. Un divertimento personal bastante extremo que milagrosamente terminó estrenándose en las salas. En el cine de Hitchcock siempre ha habido mucho humor. En The Trouble with Harry podemos ver cómo es una película suya desprovista de toda la tensión asociada al suspense, dejando sólo ese humor suyo tan característico, que explotó tan bien en las intros de la serie Alfred Hitchcock presenta.

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Las dos películas exigen al espectador un esfuerzo importante. Debes entender el experimento, aceptar un estilo interpretativo absolutamente artificial. En Satansbraten todos los actores sobreactúan y las reacciones de los personajes nunca son las que esperas. En Harry sucede algo muy parecido. Los actores actúan como si encontrarse cadáveres fuera algo trivial. Nadie reacciona de forma realista. El drama está sublimado con el humor. Ya entonces me di cuenta de que ambas películas estaban sorprendentemente más relacionadas de lo que hubiera nunca imaginado. En ese momento Pedro P. me hizo en guiño y la Matrix se acopló por fin. Los astros se alinearon, las películas también.

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No terminan ahí las sincronías de ambas películas, las dos describen a un grupo de personas que viven aisladas de la sociedad, ajenas a la moral burguesa y libres de las rutinas amorosas, laborales, que dictan la cotidianeidad de todo el mundo. Cada autor marca la gravedad de ese mundo aparte que han construído, algo que realmente muy poco autores logran. También hay conexiones directas entre las dos películas, como que las dos coincidan en tratar el tema de cómo se relaciona el artista con el dinero. En Harry John Forsythe, un pintor sin éxito recibe de pronto la oferta de un millonario que quiere comprar sus cuadros. Le ofrece un cheque en blanco, pero él lo rechaza, prefiriendo pedir a cambio cosas concretas que hagan felices a los miembros de la comunidad en la que vive y en la que es feliz. También en Satansbraten hay crímenes equívocos y cadáveres encontrados.

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El cine te habla. Escúchalo.

Images, 1972

Posted in Movies with tags , on 15/07/2016 by insermini

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Del trailer de Images (Robert Altman, 1972)

Ping Pong Hall of Fame: Kim Novak

Posted in Movies with tags , on 14/07/2016 by insermini

Kim novak ping pong

Les seines de glace, 1974

Posted in Movies with tags , , , on 01/07/2016 by insermini

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Un título que dejé pasar en la Guía sobre Richard Matheson es esta extraña producción francesa que adapta su novela Someone is Bleeding, publicada en 1953. En la guía digo erróneamente que se trata de un título difícil de encontrar, cuando al menos en Francia está editado en DVD. Ahora se puede encontrar en la red sin mucha dificultad. Tampoco me importó mucho renunciar a ella porque sabía que tendría muy poco que ver con el autor. En una entrevista, Matheson reconocía haberla visto en alguna ocasión pero aseguraba que no le había dejado ninguna huella. Era incapaz de recordar nada más allá de la presencia de Alain Delon y de que era una versión bastante libre de su novela. Dicho esto, es mejor olvidarnos de Richard Matheson para hablar de esta película, porque ciertamente poco o nada tiene que ver con él, un título a caballo entre el cine de autor y el cine comercial de la época, que sólo podía surgir de una cinematografía como la francesa. George Lautner, su director, tiene una carrera repleta de éxitos, en la que se mezclan todos los géneros. En Los senos de hielo parece que decidió mezclarlos todos en una misma película, porque es comedia, es film noir, es cine de terror, es drama pasional…

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Mireille Darc interpreta a Peggy, una mujer fría y aséptica como un cuarto de baño que ejerce una fatal influencia en los hombres. Es una especie de zorra de hielo inexpresiva de turbio pasado a la que todos quieren proteger y llevar a la cama. Pero ella siente repugnancia hacia el acto sexual y elude siempre la situación. La película se vuelve más interesante cuando descubrimos que además es una asesina.

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Alain Delon, que interpreta al “abogado más guapo de Francia” – según comenta el protagonista en un diálogo- vive en una casa preciosa en Niza, no muy lejos de la casa donde tiene instalada a Peggy. En esa casa, la inescrutable mujer vive en constante terror, pues el criado está obsesionado con ella y se pasa las horas recortando fotos de modelos de las revistas y jugando con barbies que se parecen a ella.

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Todavía no he hablado del protagonista (Claude Brasseur), un tipo que escribe para televisión y que es de esos tipos que nunca hablan en serio y se pasan el rato haciendo chistes. Es lo que menos me gustó de la película, por eso no voy a poner capturas de él. Prefiero el aplomo de Delon y las escenas en su lujosa casa. Realmente uno tiene la sensación de estar pasando el invierno en Niza.

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El triángulo que forman estos tres personajes es como el que formarían Woody Allen, la Deneuve de Repulsión y el personaje de una película de Jarmusch. Ella pasa de sentir desprecio por el guionista a reírle los chistes, cosa que alimenta sus ilusiones, pero no lo olvidemos, ella es una asesina y cada vez que comete un crimen acaba volviendo a los brazos de Delon. Como sucede cuando finalmente le clava las tijeras al sirviente voyeur.

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También es desconcertante la mujer de Delon, una mujer que realmente no parece muy molesta por la obsesión que su marido siente por Peggy.

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Hay una escena en unos apartamentos bastante confusa. El guionista y Peggy van en busca de un apartamento para ella y todo es muy fantasmal. La música de Philippe Sarde que se repite durante toda película (y que recuerda mucho a la melodía de Il y a pas d’amour hereux), deja de sonar y en su lugar suena algo más cercano a Claudio Simonetti. Hay carritos de bebé abandonados y apagones de luz. El guionista es golpeado y Peggy escapa en un ascensor. De repente es como un giallo.

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Sin duda lo mejor de la película es cuando en la parte final Peggy sorprende al espectador apareciendo desnuda y lista para entregarse al acto sexual, anticipando los grandes momentos que en el futuro nos daría el cine de Paul Verhoeven.

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Pero lo más desconcertante de todo es la última escena, en la que después de todo lo visto se nos exige que nos pongamos serios y aceptemos que Los senos de hielo es una película de hondas pretensiones, un drama pasional más grande que la vida. Y así, sin prepararnos demasiado nos lleva a un desenlace tremendo. Delon, consciente de que Peggy va a terminar en un psiquiátrico la lleva a un hermoso paradero en la montaña y le pone una pistola en la cabeza. Mireille Darc pone cara de nada, la única cara que le hemos visto en toda la película.

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Así termina una película que no era para nada lo que había esperado. No era mi intención usar un tono irónico para hablar de ella, ni que pareciera una entrega más de la extinta sección Todo Spoilers, pero yo no me he inventado nada. Todo lo que digo está en la película. Y si lo pienso, ahora que la he contado aquí en el blog la entiendo mejor y me gusta más.

Ride Lonesome

Posted in Movies with tags , , on 26/06/2016 by insermini

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Ride Lonesome (1959. Bud Boetticher)

RICHARD MATHESON VISIONARIO

Posted in Movies with tags , on 21/06/2016 by insermini
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El 23 de junio de 2013 fallecía, a los 87 años, Richard Matheson, autor de clásicos de la literatura fantástica como Soy leyenda y El hombre menguante así como de numerosos relatos que contribuyeron a modernizar y engrandecer un género habitualmente considerado menor. Matheson estuvo activo hasta sus últimos días y aunque su medio natural fue la literatura, se manejó igualmente bien en su faceta como guionista de cine y televisión. Sus aportaciones a la mítica serie The Twilight Zone (la Dimensión Desconocida), las colaboraciones con Roger Corman – para el que escribió las mejores entregas de su serie de películas basadas en Poe- y un buen puñado de TV movies de terror, entre ellas The Night Stalker y El diablo sobre ruedas (Duel, 1971) -no lo olvidemos, primera obra mayúscula de un entonces juvenil Steven Spielberg- conforman un legado irresistible y apasionante. Han pasado 3 años desde sus desaparición y si bien están empezando a editarse (y bien) muchos de sus relatos, la verdadera importancia de su legado sigue todavía sin estar del todo reconocida. Al menos en nuestro país. Mientras esperamos el día en que alguna editorial se ponga en serio a recopilar su vasta obra literaria – además de los relatos también las novelas, los guiones no filmados y los libros de la etapa new age de los últimos años- nos queda ir recordando a un autor cuya influencia sigue más viva que nunca. Hollywood sigue comprando en lote historias suyas, se anuncian remakes y nuevas versiones de clásicos suyos y sin duda el eco de su nombre resonará con fuerza en el cine y las ficciones televisivas del siglo XXI. ¿Alguien duda de que en algún día no muy lejano se volverá abrir la puerta a la Dimensión Desconocida? A continuación repasamos 5 momentos en los que Richard Matheson fue visionario y en los que, con sus historias, anticipó futuros clásicos del cine que forman ya parte de la cultura pop.

I AM LEGEND / NIGHT OF THE LIVING DEAD

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“Vi La noche de los muertos vivientes y pensé: ¡Jesús! Alguien ha hecho otra versión de Soy leyenda y no me lo ha dicho”.

(R. Matheson)

Soy leyenda se publicó en 1954. Con el tiempo ha quedado patente su incuestionable carácter fundacional tanto para los relatos apocalípticos en general, como en el género de zombies en particular. La novela cuenta las rutinas diarias de Robert Neville, único superviviente humano en un mundo devastado por una desconocida pandemia que ha asolado la Tierra. El virus ha aniquilado al grueso de la población, y los que no han sucumbido se han convertido en una especie de vampiros. Neville, inmune a la plaga por causas desconocidas y médico de profesión se enfrenta a la situación con una estoica determinación de supervivencia, mientras trata de encontrar el antídoto que acabe con la desconocida bacteria. Richard Matheson se adelantó a su época al visualizar este relato apocalíptico, propio de una época en la que el pánico nuclear y el miedo a futuras guerras daba una inevitable forma pesadillesca al porvenir más inmediato. Por una parte la premisa de un hombre enfrentado a un mundo hostil se ha convertido en axioma de este tipo de narraciones y la estructura de la novela, como sucede con los clásicos se ha convertido en manual de estilo. Pero sobre todo la novela fue pionera al mostrar un mundo poblado por vampiros. Matheson contaba que la idea le vino al seguir un razonamiento muy simple. Tras ver el Dracula de Lugosi, pensó: “si un sólo vampiro resultaba terrorífico, un mundo poblado por vampiros sería realmente aterrador”. Y tanto que lo era. El cine, que se interesó desde muy pronto por la novela no se atrevió a adaptarla hasta 10 años más tarde en una versión protagonizada por Vincent Price. En Europa, la productora Hammer tuvo que renunciar a su propia versión ante las amenazas de boicot que le llegaron desde los censores británicos. Sin saberlo, con Soy leyenda Matheson estaba poniendo la primera piedra en toda una tradición, que a día de hoy sigue más viva que nunca, nada menos que el género de zombies. Porque ¿Qué son los vampiros en realidad? No -muertos. Y la sensación de ver o leer la historia de un hombre refugiado en una casa con las ventanas selladas mientras fuera un ejército de no-muertos intenta entrar es la misma que leer sobre una invasión zombi. No es exagerado decir que Night of the Living Dead (1968) tiene con Soy leyenda la misma deuda que The Walking Dead tiene con el clásico de Romero.

EL INCREIBLE HOMBRE MENGUANTE/ CARIÑO HE ENCOGIDO A LOS NIÑOS

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A las generaciones más jóvenes les queda ya un poco lejana la serie de películas protagonizadas por Rick Moranis y producidas por Disney, pero los que vivimos esa época recordamos muy bien el sonado éxito de la serie, especialmente de la primera entrega Cariño he encogido a los niños (Honey, I Shrunk the Kids, 1989), curiosamente creada por los futuros renovadores del género gore Stuart –Reanimator– Gordon y Brian –Society– Yuzna. La película cuenta en tono de comedia las peripecias de una familia cuando el cabeza de familia, un científico aficionado interpretado por Rick Moranis, reduce al tamaño de insectos a sus hijos adolescentes y a los de una familia vecina. Los jóvenes se enfrentarán a los grandes peligros que conlleva su infinitesimal existencia, mientras los padres tratan de localizarles y devolverles su aspecto original. El éxito de la película se tradujo en varias secuelas y en una serie de TV.

La filiación de esta franquicia con la novela y posterior película El increíble hombre menguante es evidente. Como guiño/ homenaje, la serie de TV bautizó a la ficticia ciudad donde habitan los protagonistas con el nombre de Mathesonville. De nuevo Richard Matheson se adelantó a su tiempo con su novela publicada en 1956 al visualizar una fantasia tan humana como es la de ver a los humanos menguar y aumentar de tamaño. La película de 1957, escrita por él y dirigida por Jack Arnold, se ha convertido en un clásico de oro del cine fantástico, y todavía a día de hoy sigue impactando por lo conseguidos que están los enfrentamientos del protagonista con el gato o la araña; así como por el extraño tono existencial que recorre el relato. No dudamos de que no pasará mucho tiempo hasta que volvamos a ver hombres y mujeres menguantes en cine o TV, porque ¿a quién no le gusta ver un hombre menguante? ¿O una mujer creciente? El mismo Almodóvar se apropió la idea cuando incluyó en Hable con ella fragmentos de una película muda titulada El increíble amante menguante.

LITTLE GIRL LOST/ POLTERGEIST

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The Twight Zone se emitió en los USA durante 5 temporadas, entre los años 1959 y 1964. Richard Matheson escribió para la serie de Rod Serling más de una docena de episodios, casi todos guiones originales o basados en historias propias. Little Girl Lost adapta un relato suyo fechado en 1953 en el que se cuenta la pesadillesca historia de un matrimonio que pierde a su hija cuando la pequeña cae de la cama y accidentalmente atraviesa un portal de acceso a otra dimensión que se encuentra en determinada zona de la pared. Con la ayuda de un amigo doctor en Física los padres intentan guiar a la niña de vuelta a la dimensión correcta. Un argumento que a muchos os sonará de aquel episodio de Los Simpson en el que Homer, al esconderse tras un armario accedía de idéntica forma a una dimensión paralela en la que adquiría forma cúbica. Aunque no se trate de una adaptación literal, la ascendencia de la premisa argumental es evidente y el recuerdo de la película Poltergeist planea en todo momento sobre el episodio. Si tenemos en cuenta que Steven Spielberg, productor de la película, siempre ha manifestado su admiración por la serie – a la que rindió tributo con una versión cinematográfica en 1983- la idea no es tan descabellada. El ¡Ven hacia la luz! que le gritaban a la pequeña Carolyn ya está aquí presente. Y aunque en el clásico de terror cambian la zona acotada de la pared por una pantalla de televisor, el argumento de ambas historias es básicamente el mismo. Al respecto, Matheson declaró: “No soy del tipo que pone demandas. Especialmente contra empresas multimillonarias (MGM producía Poltergeist). De cualquier manera, más tarde me llamaron para escribir Twilight Zone: The Movie, y Spielberg me contrató como consultor creativo de la serie Amazing Stories. Creo que me estaba compensando por Poltergeist”.

A WORLD OF DIFFERENCE / EL SHOW DE TRUMAN

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Un hombre de negocios empieza su jornada como cualquier otro día hasta que de pronto descubre que su oficina es un decorado y que un equipo de cine le está filmando. Incapaz de asumir que es un actor, abandona el set de rodaje en busca de su familia y de su vida real”.

Este es el argumento de A World of Difference, uno de los mejores episodios de The Twilight Zone, emitido en marzo de 1960, que bien puede esgrimirse como prueba incontestable de la clarividencia de Richard Matheson, que le permitía visualizar antes que nadie cuáles eran los miedos e ideas que flotan en ese inconsciente colectivo del que se nutren todas la historias. Ver A World of Difference y no pensar en El Show de Truman es imposible. Lo increíble es que hay una ventana de tiempo entre ambas ficciones de casi 40 años. La exitosa película de Jim Carrey, dirigida por Peter Weir, materializaba una visión muy años 90, nacida de la desmelenada obsesión narcisista de la sociedad de consumo, alimentada por los contenidos de televisión, que invadían cada vez más la parcelas íntimas de la gente. La película se integraba en ese debate y premonizaba el boom de programas como Gran Hermano y otros formatos de realities.

Richard Matheson nada podía saber de todo esto cuando escribió A World of Difference, pero la angustia de sus protagonistas es la misma. Sus miedos, los mismos. De fondo resuenan las mismas cuestiones. ¿Y si mi vida no es más que una comedia de situación que alguien escribe? ¿Qué nuevas tramas me estará preparando esa gente? ¿No sigue la vida un guión en el que nosotros no pintamos nada?

TRILOGY OF TERROR / MUÑECO DIABÓLICO

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No vamos a decir que Richard Matheson también inventó a Chucky, antes podríamos darle ese honor a su gran amigo Charles Beaumont, que escribió el episodio de The Twilight Zone protagonizado por Talky Tina, la maligna muñeca que habla. Sin embargo, si hiciéramos una lista con las películas más terroríficas de la historia sobre muñecos que dan mal rollo, seguramente estaría encabezada por Trilogy of Terror y Muñeco diabólico (Child’s Play, 1989), primera aparición del entrañable Chucky. Trilogy of Terror es una película de episodios basada en relatos escritos por Richard Matheson y cuyo tercer segmento, titulado Amelia se ha convertido en un título mítico del cine de terror americano. En él una joven introvertida compra en una tienda de antigüedades un muñeco africano, un fetiche zuní de aspecto terrorífico y vive la peor pesadilla de su vida cuando en un descuido libera al muñeco del encantamiento que lo mantiene inerte. Empiezan entonces las encarnizadas persecuciones en el apartamento de la mujer y una desesperada lucha por la supervivencia. Karen Black demostró ser una scream queen de altura en la película, dando credibilidad a una historia que todavía hoy nos pone los pelos de punta. La cámara subjetiva adoptando el punto de vista del muñeco en las persecuciones y los gruñidos que este emite crean una atmósfera muy loca que sigue desquiciando al espectador a día de hoy. El mérito es de Richard Matheson, tanto como de Dan Curtis, su director, que acertó plenamente con la puesta en escena. Juntos dejaron a la posteridad un referente indeludible para los fututos relatos sobre muñecos malignos.

 

Y recuerda, si quieres saber más sobre Richard Matheson tienes mi libro en la tienda de Cinefilia Pop.

Howard Hughes’ Sensation!

Posted in Movies with tags , , on 09/06/2016 by insermini

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Ecos #7

Posted in Movies with tags , , on 01/06/2016 by insermini

the woman who 01 the woman who 02 the woman who 03Woman Who Came Back (1945. Walter Colmes)

the beyond 01 the beyond 02 the beyond 03The Beyond (1981. Lucio Fulci)

No es posible ver Woman Who Came Back sin acordarse de The Beyond. Un autobús se detiene ante la presencia en la carretera de una extraña vieja acompañada por un pastor alemán. Resulta ser una bruja muerta 300 años atrás. Algo muy parecido a la icónica escena de The Beyond. No he encontrado en internet ningún dato que indique que se trata de una conexión consciente entre las dos películas. Si algún fan de Fulci puede aportar algo de luz, la puerta está abierta en los comentarios.